Mr. Cinephis

<<… le cose importanti da ricordare sono i dettagli, i dettagli rendono la storia credibile…>>.
Così recita il collega di Mr. Orange (Tim Roth) nella scena in cui catechizzando la iena infiltrata gli racconta un simpatico aneddoto gangster per rendere credibile la sua posizione, scena in cui l’attore sembra rivolgersi direttamente verso un eventuale pubblico, quasi una sorta di prudente auto-giustificazione del regista. Infatti è paradossale come sia difficile scrivere una recensione di un film dalla trama così semplice, ridotta all’essenziale ma assolutamente non banale per il modo in cui viene raccontata, così piena di dettagli.
Il primo lungometraggio di Quentin Tarantino vuole puntare ad una geometria imperfetta, composta da una serie di piccoli frammenti, che arricchiscono la pellicola rendendola equilibrata, ma allo stesso tempo davvero grottesca, girata in uno stile pulp innovativo, tanto che lo stesso scalpore lo si ebbe solo alla proiezione del primo film muto, quando il pubblico scappò alla vista del treno che arrivava verso la telecamera.
Sei cani da rapina, ognuno dal fittizio nome di un colore, ingaggiati da un boss famigerato e da suo figlio. Il colpo apparentemente semplice è in una gioielleria, in due minuti si entra e si esce.
Ma qualcosa va storto, probabilmente c’è qualcuno che non la racconta giusta, ognuno accusa pesantemente l’altro, nessuno sa, tutti pensano di sapere, fino alla fine.
Il film si apre con un episodio che potrebbe essere un classico simpatico finale da film “normale”, la conoscenza in un bar, le risate e i personaggi immersi nella libera e personale interpretazione di Like a Virgin di Madonna; qui però non si parla affatto di normalità, né di classicità, anche se le citazioni, le influenze e i riferimenti cinefili sono disparati: dalla nouvelle vague francese, alla velocità dei film MADE in USA, fino alla violenza gratuita e alla follia del cinema giapponese.
Il nichilismo di questi antieroi per eccellenza, è sfoderato in uno schema rimescolato di spazi e tempi circolari, di flashback che ci fanno intuire la linea psicologica di ognuno di loro, dando anche un’idea costruttiva della storia (montaggio che sarà poi nuovamente adottato nel capolavoro Pulp Fiction e in Jackie Brown).
Ci si sente inaspettatamente “scomodi”, disorientati, da questo caos ironico, da questo martellante dialogo che non ha né capo né coda, ma così ben curato, raffinato, capace di anticipare le immagini dando ritmo al film, dove le battute sono così assurde e così attraenti, da non rendere affatto necessario l’argomento in sé della discussione; probabilmente si rimane stupefatti, senza risposte al perché una scena così violenta e sanguinosa di una sevizia, possa indurci a sorridere.
L’ambientazione è praticamente unica, claustrofobica, ridotta ad un magazzino abbandonato, impoverito appositamente per dare più spazio all’ingombrante corporeità degli attori, al ritratto dei loro caratteri e al modo in cui esprimono le loro sensazioni, rabbiose e grottesche, stereotipate quasi a volersi prendere in giro da sole.
Il finale è un esemplare sconvolgimento teatrale dei fatti, degno di uno Shakespeare contemporaneo, dove la resa dei conti non si limita all’uno contro l’altro, ma ad un tutti contro tutti, in un bagno di sangue platealmente finto.
La disomogeneità dei generi filtrati e mescolati in questo film non etichettabile, sa ricordare un pezzo anni ’70 dal sound orecchiabile e sofisticato, esattamente come la meravigliosa colonna sonora che lo compone, che non vuole solo essere musica di sfondo, ma dettaglio essenziale della trama, capace di mettere un punto esclamativo alle scene.
Questa è una pellicola virtuosa, come riavvolta nel rullo, in cui i fatti si scoprono a ritroso con grande eleganza, capace al momento dei titoli di coda, al riaccendersi delle luci in sala, di lasciare lo spettatore dubbioso sul suo stesso umore, con gli occhi spalancati e con un sorriso ebete sul volto: un po’ divertito, un po’ sconvolto.

Massimo Ruggiero

Realizzato da Accademia del Cinema Ragazzi di Enziteto

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Poi finito il film, nella lenta processione che ci porta verso l’uscita abbandono l’orecchio ai commenti dei vicini per un interesse più antropologico che cinematografico. Intanto l’aria diventa fredda e sono di nuovo fuori. Di nuovo pioggia… È la stessa pioggia di questo noir a Fuori Orario a cui la mia insonnia senile mi impedisce di rinunciare.

Realizzato da Accademia del Cinema Ragazzi di Enziteto

ESORDI D’AUTORE

12 novembre

Bari – Kursaal Santalucia

Biglietto giornaliero 3 €

Il terzo appuntamento di Esordi d’Autore continua sull’onda del cinema italiano di qualità.

Alle 18.30 verrà proiettato Accattone, film capolavoro diretto da Pier Paolo Pasolini nel 1961.

La copia restaurata nel 2008 permetterà di apprezzare al meglio l’opera prima di un maestro del cinema che scelse sin dal principio un cinema impegnato, dalla parte degli ultimi, del sottoproletariato emarginato dalla società.

Alle 20.00, nello spazio del Miles, proseguiranno le proiezioni di Vangard Cafè, dedicato sempre a Stan Brakhage:

Black Ice, Study in Color and Black and White, Stellar, Crack Glass Eulogy, The Dark Tower,Commingled Containers ed infine Love Song.

Alle 20.40 sarà la volta del primo film di Paolo Sorrentino, L’uomo in più.

Prima di divenire un regista affermatissimo con Le conseguenze dell’amore, prima, e  poi Il Divo, premio della giuria a Cannes e in odore di candidatura all’Oscar come miglior film italiano del 2008, Sorrentino gira questa pellicola che sicuramente non saranno in molti ad aver visto.

Alle 22.30 I Basilischi di Lina Wertmüller.

Questo film del 1963, girato tra Palazzo San Gervasio, Minervino Murge e Spinazzola, è stato paragonato da molti critici ad una sorta di Vitelloni ancora più scanzonato e in salsa meridionale.

E’ sempre possibile interagire con la rassegna e seguire il blog di Mr. Cinephis sul sito www.sentierinelcinema.it

Ufficio Stampa

Vincenzo Pietrogiovanni

L’autarchia rimane quella chimera di salvezza, forse di ribellione, a cui appigliarsi con forza, motivata da ragioni di sfiducia, di rinuncia, di presunzione o, per motivi di “sopravvivenza”, resta comunque il frutto di una visione satirica generazionale nei confronti della società.
Dopo alcuni cortometraggi, un ventitreenne Nanni Moretti gira, in Super8mm, trasportato successivamente in 16mm, il suo primo lungometraggio, ottenendo un grande favore di pubblico e critica. Era il 1976 e le vicende narrano di un gruppo di amici appartenenti ad una certa classe di sinistra che, in stile già assolutamente morettiano per ironia e “irrealtà realistica”, sono in cerca di un ruolo all’interno della società.
La nevrosi, l’incapacità di rapportarsi l’uno con l’altro, la mancanza di volontà nel concludere un dialogo, le illusioni insperate e le velleità artistiche sono figlie di un esempio di teatro nel cinema, di disagio e delusione, forse di una tristezza di fondo per la  sconfitta sessantottina, dove i personaggi, con le diverse sfaccettature, si ritrovano a condividere la loro storia su un set-palco surreale e onirico, sintesi di una rabbia repressa e di sogni incolti inscenati in una pazzia controllata.
Michele (Nanni Moretti) che vive mantenuto dal padre – come ci spiega paradossalmente lui stesso all’interno del film – dopo la separazione dalla moglie Silvia (Simona Frosi), che sembra amare solo per il senso stretto di avere una nonché minima sicurezza, si ritrova ad occuparsi del figlio Andrea, che viene a rappresentare esclusivamente l’allaccio ad una insaputa speranza; con sarcasmo Michele gioca a criticare quanto propongono le sale cinematografiche e in particolare il cinema italiano. Fabio (Fabio Traversa) è il regista di un’allegorica opera teatrale – strettamente legata al film stesso – e cerca quasi forzatamente di metterla in scena imponendola ai suoi attori intenti a smontargli tutto; Fabio è l’esempio di chi vuole emergere a tutti i costi, senza credere davvero in quello che fa, sottoponendo lo spettacolo ad un noto critico, che parlerà di tutto, tranne dello spettacolo stesso; il suo personaggio è la metafora delle difficoltà di combattere per raggiungere un obiettivo, un sogno, e sembra, sia sul palco che sul set, che lui in primo piano, abbia paura dell’idea di poter riuscirci davvero, proprio per quel senso di apatia giovanile e puro senso di sconfitta in partenza, come egli stesso sembra spiegare – riferendosi all’ipotetico spettatore – nell’ultima messinscena dello spettacolo, durante il dibattito con un pubblico assente.
I personaggi possono essere interpretati in una sorta di sindrome di “radicali Peter Pan”, terrorizzati di crescere, ma allo stesso tempo critici di se stessi e di ciò che li circonda, come Giorgio (Giorgio Viterbo) quand’è chiamato a fare la “sperata-insperata” supplenza oppure quando osserva, o spia, la vicina di casa, senza mai parlarle.
L’assenza d’illusioni condivisa dai teatranti, durante la poco piacevole esperienza in collina per la preparazione fisica allo spettacolo, viene riassunta nella scena di Michele che ammira il mare con fascino e attrazione senza dire nulla se non:“Il Mare” – unica nota di entusiasmo del personaggio in tutto il film – a cui rinuncia per tornare dal gruppo in collina, lasciandoselo alle spalle, negandoselo.
Io sono Autarchico sembra un urlo rimasto in gola, per paura di dar fastidio, in tutti i sensi, sia nella realizzazione del film (auto-prodotto, girato artigianalmente, autarchico, appunto), ma soprattutto per quelli che sono i temi che tocca: morbosamente sentimentali, auto-eroticamente sessuali, di realizzazione sociale e addirittura, nella scena della sigaretta senza filtro che diviene una sorta di “canna-autarchica”, nel voler fingere di figurare come personaggi fuori dai canoni sociali.
Il film ci mostra come questa gioventù non tanto lontano dalla nostra, presuntuosa e sicura della propria superiorità crei una totale diffidenza nei rapporti umani e una forte critica politica, mostrataci in questo film in chiave umoristica, che porta ad una chiusura in sé stessi per colpa di un fondamentalismo ideologico, non accettando il mondo senza mai provare a farne parte.
Il percorso che compierà Nanni Moretti, nasce e poi cresce a partire da questo affresco che già suggerisce temi e stile del suo “fare cinema”, un ibrido tra grottesco e tragico, che pare una bestemmia trattenuta, per mancanza di fiducia in sé stessi e negli altri, una malinconia che quasi prova vergogna ad apparire poiché mascherata da un sorriso.